Martin Stommel

Diese Frage erinnert mich an meine erste Ausstellung in einem kleinen örtlichen Kunstverein, ich war damals 16 Jahre alt. Neben dem Lob gab es auch leise Kritik. Ich hatte Bilder von Gesichtern in einer bewegten, etwas kubistischen Manier gemalt, daneben Landschaften ein bißchen in der Art des Rokoko, andere expressiv, ein besonderer Eyecatcher waren surreale Szenarien. Mir wurde gesagt, mir fehle noch der eigene Stil. Ich selbst konnte alle Bilder durchaus als meine erkennen und hatte keine Lust, irgendetwas davon zu lassen.
Recht bald begann ich, nach der Natur zu zeichnen, bat jeden, der mir interessant erschien, mir Modell zu sein. Als ich mit etwa 24 Jahren meinen Lehrer Birger kennenlernte, vertiefte sich das Arbeiten nach der Natur, weitete sich auch auf das eigentliche Malen aus. Wenn ich heute die Arbeiten ansehe, die mir aus dieser Zeit geblieben sind, bemerke ich die starke unbewusste Anlehnung an den Stil meines Lehrers und auch den unbewussten Widerstand dagegen. Damals spielte die Frage nach der Manier aber keine Rolle, es ging ja fast immer nach der Natur, die mir doch nur einen Weg der Darstellung ließ, nämlich den meiner Aufmerksamkeit. Vor allem aber erkannte ich, daß die Schwierigkeit, ein Bild zu malen, in Wahrheit aus einer Vielzahl von Problemen und Fehlerquellen herrührte. Heute ist natürlich der Begriff des Fehlers eine Art rotes Tuch für den Zeitgeist, aber wir werden es überleben und die Fehler werden es sogar ganz sicher überleben.
Als ich auf die Akademie nach München kam, war es für mich eine ziemliche Überraschung: Die meisten Kommilitonen arbeiteten tatsächlich in einer jeweils sehr klar definierten Art und Weise, bei den meisten gab es nicht einmal stilistische Ausrutscher. Allerdings tummelten sich die konkreten, die abstrakten, auch wenig gegenständliche und die Foto- oder Mixed-Media-Stile in einer Menge und gleichzeitig klar abgrenzbaren Eigenart bunt durcheinander. Es gab erkennbar diesen Drang, sich irgendwie festzulegen in einer Kunstwelt, die schon in der Generation unserer Eltern die Kunstproduktion kaum noch in homogenen Gruppen aus Schulen oder allgemeinen Richtungen erfuhr. Natürlich war mir das Problem nicht fremd, aber auch nicht bekannt, wie stark es sich schon in der frühen Akademiephase auswirkte. Ich war naiv, bin es wahrscheinlich heute noch, denn immerhin bedeutete die Akademiezeit nicht allein (vielleicht nicht einmal primär) Ausbildung, sondern ersten Schritt in die Welt der Vermarktung. Mein individuelles Problem war in dieser Zeit, daß sich meine Art zu malen und meine Auffassungen nur schwer, um ehrlich zu sein gar nicht in diesem Akademiegeschehen einordnen ließen. Ich verließ also nach formalem Abschluß das Haus und startete meine Gasthörerschaft bei Fußmann in Berlin.
Dieses neue Kapitel war kurz, das Leben kassierte es durch die Geburt meiner ersten zwei Söhne und verlangte von mir, Geld zu verdienen. Ich arbeitete dann vor allem in zwei Themen, die mich auf lange Zeit prägen sollten. Das eine war der Zirkus, die barocke Inszenierung, das andere der Mythos, die ersten Bilder der Welt, in seinem Gefolge auch die Illustration der Divina Commedia.
Heute kommt es mir so vor, als seien diese beiden, die Präsenz der Aufführung und die Verbindung mit dem Ursprünglichen sozusagen die Pole, zwischen denen sich das Feld ausbreitet, in dem ich mich zuhause fühle.

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This question reminds me of my first exhibition at a small local art society when I was 16 years old. Besides the accolades there was also mild criticism. I had painted pictures of faces in a dynamic and a little cubistic manner, beside it landscapes in a somewhat rococo style, other images were expressive, some surreal sceneries turned out to be particular eye-catchers. I was told I still was lacking individual style. For myself though all paintings were very well distinguishable as my own and I had no intention to let go any of my mentioned approaches.
Rather soon I began to draw based on natural motifs and asked everyone who seemed inspiring to me to be my sitter. At an age of about 24 years I met my teacher Birger and my work following natural motifs intensified and extended to actual painting. Today when I look at the works which are left from this period, I notice the strong unconscious borrowing from the style of my teacher as well as the resistance against that. Back then the question of the manner didn‘t play any role though, since it was all about nature, which actually left only one way to express, which was by following my attention. Above all I realized that the difficulty to produce a painting in reality arose from a plethora of problems and error sources. Today the term of an error is of course a kind of red rag for the zeitgeist, but we will get over it and most certainly the errors will.
When I came to the academy in Munich I was taken by surprise: Each of the other students actually worked in a very clearly defined way and manner, most of them did not even show stylistic slips. Abstract and concrete, some objective art bustled with photo and mixed media styles as a whole but yet each with very distinctive character. There was a noticeable urge to somehow define oneself in the world of art, which in general experienced an art production not associated with any homogeneous group or art school anymore since the generation of our parents. That problem was not unbeknownst to me of course, though its extend to the early phase of the academy surprised me. I was naive, I probably still am, since the time in the academy does not solely mean education (perhaps not even primarily) but also a first step into the world of marketing. My individual problem during this time was that my way of painting and my notions hardly integrated into the realm of the academy. I eventually left the academy with a formal degree and began my guest student program in the class of professor Fussmann in Berlin.
This new chapter was short though, life cancelled it by the birth of my first two sons and the necessity to earn money. After that I mainly worked on two themes which coined my oeuvre for a long time. One was the topic circus as a baroque staging, the other was the myth as the birth of images followed by illustrations of the Divina Commedia. Today it seems to me as if these two themes and genres—namely the performance and the connection to nativeness—constitute the poles between which the artistic field stretches where I feel at home.